C’è tutto l’occorrente per poter realizzare dei lavori di alta qualità professionale:

* InDesign CS4
* Photoshop CS4 Extended
* Illustrator CS4
* Flash CS4 Professional
* Dreamweaver CS4
* Fireworks CS4
* Acrobat 9 Pro
* Adobe Bridge CS4
* Adobe Device Central CS4
* Version Cue CS4

Questo è il link:
http://groups.adobe.com/posts/2dcf0a8471

Leggete il regolamento e dope esservi registrati partecipate numerosi. Il gruppo Photoshop Italia vi aspetta!

Ecco il link:
http://www.smashingmagazine.com/2008/10/20/the-ultimate-collection-of-useful-photoshop-actions/

Attenzione: non ho ancora provato nessuna azione presente in quell’articolo, non so quanto possano essere di qualità né quanto possano essere effettivamente utili. Ma lo scoprirò prestissimo.

Se qualcuno volesse esprimere un parere/giudizio sulle azioni proposte da Smashing Magazine sarebbe il benvenuto.

(Questo post fa parte di un decalogo)

Ogni lavorazione grafica richiede un proprio specifico approccio e fortunatamente si possono utilizzare gli strumenti più idonei per ogni specifica operazione.

Abbiamo a disposizione un distinto programma per ogni esigenza che ci permette di intervenire in maniera ottimale su ogni aspetto del nostro lavoro:

• Adobe Photoshop

  Per l’editing o la creazione delle immagini bitmap o raster. (Ritocchi fotografici)

• Adobe Illustrator

  Per l’editing o la creazione delle immagini vettoriali. (Creazione di loghi)

• Adobe InDesign

  Per la realizzazione o la progettazione di impaginazioni in cui bisogna gestire una quantità considerevole di testo. (Impaginazioni, imposition)

• Adobe Acrobat

  Per la verifica (preflight) e l’anteprima della prestampa dei file .pdf (Portable Document Format). (Trasmissione di file allo stampatore, al cliente, ai colleghi)

Un buon grafico sa riconoscere prima di ogni lavorazione quale applicazione conviene utilizzare, poiché utilizzando lo strumento più adatto fin da subito può risparmiare tempo e può elaborare i suoi file con maggiore semplicità.

Capita molto spesso che per portare a termine una determinata lavorazione si abbia l’esigenza di elaborare i file con diversi programmi anche in diverse fasi, non bisogna quindi farsi prendere dal panico se un programma non fa quello che ci occorre nel migliore dei modi, perché molto probabilmente quella operazione può essere eseguita al meglio utilizzandone un altro in sua vece.

Naturalmente i programmi sopra elencati hanno un costo considerevole, e per evitare di spendere soldi per comprarli sono disponibili delle applicazioni a basso costo (alcune addirittura gratuite); in questo intervento potete trovarne alcuni che consiglio tra quelli che ho propvato e che continuo a provare.

Eccovi i video ufficiali della Adobe sulla sua Creative Suite versione 4 (audio in inglese)

• Content-Aware Scale
• Spherical Panorama
• 3D Quick Look
• 3D Mesh from Grayscale
• 3D Eclipse Animation

Ringraziamo John Nack, il Product Manager per Adobe del programma Photoshop, che con il suo articolo dal suo blog ufficiale ci ha permesso di conoscere questi video e la relativa Adobe Creative Suite versione 4.

Se siete interessati ad ulteriori video vi consiglio di andare a vedere questo sito http://tv.adobe.com/

Ma non smetterò mai di avere fiducia nello sforzo delle persone che si impegnano per proporre un prodotto buono al grande pubblico e che sia alla portata di tutti.

Tra tutti quelli che ho trivato e provato questi sono i programmi che ritengo siano sopra la media.

• Adobe Photoshop

  • GIMP (consigliato)

  • Krita

  • Pixel
    

    
    

• Adobe Illustrator

  • Inkscape (consigliato)

  • Karbon

  • Skencil

  • Xara

  • Synfig
    

    
    

• Adobe InDesign

  • Scribus (consigliato)

    
    

• Adobe Acrobat

  • PDF Editor (consigliato)

  • Okular

  • Kpdf

  • Sumatra

  • Seashore

    
    

• Adobe Lightroom

  • Fast Stone Image Viewer (consigliato)

  • Digikam

  • F-spot

    
    

So che con questo articolo corro il rischio di mettermi contro i sostenitori della suite della Corel, ma per mia diretta esperienza personale posso affermare che quei programmi non sono adatti ad un uso professionale.

Invito coloro che volessero sostenere una discussione sulla mia scelta di non citarli nell’elenco dei software consigliati a parlarne nei commenti.

Invito tutti a provare delle alternative, alcuni programmi dall’apparenza semplici possono offrire grandi opportunità.

I cartelloni pubblicitari della stagione 2008/2009 del Museo della Storia Naturale di Stoccarda sono un capolavoro. Naturalmente questo è un giudizio tutto mio .

Le immagini che vi propongo sono quelle che campeggiano nelle strade, il messaggio è semplice ed è espresso sintatticamente, questo lo rende adattissimo per essere fruito da chi è in macchina e deve coglierlo con un colpo d’occhio.

Le immagini rappresentano una ipotetica linea evolutiva che sarebbe alla base delle specie animali a noi familiari. Prendendo ad esempio la prima immagine possiamo ricavare quanto segue:

• il visual è “l’immagine dell’orso + l’immagine dell’anatra = ornitorinco”
• il messaggio veicolato è “la pelliccia dell’orso + il becco dell’anatra = ornitorinco”

Sappiamo naturalmente che tale sintesi non è la reale evoluzione avvenuta secondo natura, e infatti il testo che accompagna l’immagine “discover how it really was” (scopri come fu realmente) ci invita a scoprire come realmente è avvenuta la nascita delle specie animali presso il Museo di Storia Naturale.

Discover how it really was

(Clicca per ingrandire)

(Clicca per ingrandire)

(Clicca per ingrandire)

Il messaggio è chiaro e diretto: “ne è valsa davvero la pena ieri sera?” [was last night really worth it?]

La campagna per la ALAC (Alcohol Advisory Council of New Zealand) è stata realizzata da Clemenger BBDO, Nuova Zelanda.

Commenti?

L’articolo originale si trova qui.

Di che colore è la seconda lettera di Google?

Si chiama percezione visiva e distingue il “vedere” dal “guardare”. Concetto fondamentale nel web design, anche se spesso poco applicato e studiato.

Ovviamente la domanda del titolo è una chiara provocazione, ma permette di entrare in tema: è probabile che la scelta dei colori delle singole lettere di Google sia stata “casuale”, e in ogni caso non dettata da una pedissequa applicazione della teoria del colore.

Eppure, la composizione del logo Google funziona, non stona, è gradevole. Se la G fosse gialla e la L blu forse avremmo un’impressione differente. Magari il logo “stonerebbe” sul bianco della pagina.

Tutte supposizioni, d’accordo: ma è talmente importante coordinare i colori di testi e immagini di una pagina web che è doveroso soffermarsi anche su certi dettagli.

Il codice HTML perfetto non esiste: gusti personali e variabili tecniche (si pensi soltanto al grado di illuminazione dello schermo) possono influenzare la visione, il quadro finale della nostra composizione di pixel.

Aldilà di queste variabili, però, vi sono elementi che stonano oggettivamente rispetto ad altri, creando dissonanze stilistiche imperdonabili, che fanno fuggire il visitatore dal sito.

La prima reazione che ho avuto è stata di rallegrarmi per la scoperta RARISSIMA di un incentivo all’applicazione dei principi della percezione visiva anche sul web.

La seconda è stata quella di scrivere a mia volta un articolo che parlasse di percezione visiva applicata alle situazioni “scomode”.

Quando un cliente ci chiede di inserire un numero spropositato di elementi in una singola pagina bisogna per forza di cose ricorrere a degli espedienti visivi (cornici, contrasti cromatici, formattazione del testo in maniera contrastante, ecc…)

Solitamente si riesce a produrre una buona grafica in circa un paio d’ore. Ma talvolta può capitare l’inaccadibile: che il cliente sia seduto al vostro fianco mentre state lavorando alla sua lavorazione.

Con il cliente accanto che ti dice questa font è troppo smorta, mettine una più allegra, quel verde non mi convince, non hai un verde più verde?, mi raccomando che il lavoro finito sia elegante (quando dovete progettare un 70×100 e vi fornisce le foto prese dal sito a bassissima risoluzione e, noncurante della cosa, vi dice che vuole proprio quella foto, quella più piccola, come immagine principale al centro del manifesto).

Queste situazioni scomode portano il grafico ad un bivio: il suicidio, o la fanculizzazione del cliente dallo studio mentre si sta lavorando.

Le basi fondamentali della percezione visiva in queste situazioni aiutano a far felice il committente e sopratutto danno al grafico l’opportunità di risolvere problemi prettamente grafici “con stile”.

Vi è mai capitato di essere disturbati dall’impatto grafico di una home page, tanto da non proseguire nella navigazione? E di non ricordarvi associazioni di colori che avete sotto il naso tutto il giorno… come il logo di Google?

In giro si incontrano colleghi (e clienti saccenti) che possono rientrare in queste macro-categorie.

Questo vuole essere un articolo sulle motivazioni al lavoro creativo. È facile ritrovarsi in una (o anche più di una, perchè no) di queste voci.

(solo dopo che ci sarà il primo commento indicherò la mia categoria di appartenenza)

Si possono individuare 5 macro-categorie di motivazioni che ci spingono a portare a termine un lavoro anche quando diventa umanamente impossibile. Conoscerle, e saper valutare in base a queste i propri punti di forza e le proprie debolezze può essere d’aiuto per migliorare e smussare quegli aspetti professionali che forse ci rendono poco flessibili.

IL NUMERO UNO

Devi essere il migliore. Ti svegli al mattino pensando: oggi inventerò qualcosa che nessuno ha mai pensato. Adori emergere dalla massa, essere il primo della fila. La tua più grande soddisfazione professionale sarebbe ricevere un premio per essere stato pioniere in qualche progetto.

Attenzione: rischi di perdere questa motivazione se dovessi accorgerti di non essere, in fondo, così migliore di tanti altri.
Consiglio: non temere la competizione, sei nato per questo. Partecipa, lotta e mettiti alla prova, ma non prendertela troppo se non vinci.

LAVORO, LAVORO, LAVORO!

Costruisci i progetti passo per passo. Adori stare al lavoro: ti piace ciò che fai, e mettere in pratica le tue skill è la tua vera motivazione. Sei geniale nel trovare modi nuovi di migliorare il tuo lavoro. Sarebbe splendido poterti concentrare al massimo, senza interruzioni, nel perfezionare il tuo progetto.
Attenzione: rischi di perdere una deadline o sentirti frustrato cercando di raggiungere la perfezione.
Consiglio: cerca di accettare lavori che ti concedano abbastanza tempo per essere portati a termine col massimo risultato. Non permetterti di pensare: se avessi avuto più tempo, avrei fatto meglio.

IL FINE GIUSTIFICA BLA BLA BLA

Vedere il prodotto finito. Già prima di cominciare immagini il risultato finale: un poster sul muro, un libro, un cd. Il processo di creazione viene per secondo: l’importante è avere le idee chiare, vedere già l’obiettivo finale.
Attenzione: l’eseguire il lavoro nei dettagli o seguirne le mille modifiche potrebbe renderti nervoso.
Consiglio: sii coinvolto sia nella fase iniziale che in quella finale del progetto. Tuttavia, cerca di essere elastico quando, nel corso del lavoro, saranno richieste delle modifiche e dei cambiamenti a ciò che avevi in mente.

WE LOVE YOU

Il pubblico che apprezza ciò che fai. A farti saltar giù dal letto o emergere dai momenti bui è sempre lo stesso motivo: la gente adorerà il tuo progetto, e te lo farà capire chiaramente. “Amiamo il tuo lavoro” equivale a “Amiamo te”.
Attenzione: se sei sensibile ai commenti negativi (o all’assenza di commenti) potresti avertene a male.
Consiglio: cerca di essere in prima linea con il cliente. Chiedi spesso feedback del tuo lavoro, sia durante che al termine del lavoro. Non farti abbattere dalle critiche.

E QUI COMANDO IO

Tenere le redini dell’intero processo. Organizzi di natura tutti i passi e i ruoli necessari per portare a termine un lavoro. La tua motivazione si annida dietro al controllo di tutte le fasi, e delle persone con altre motivazioni che potrebbero servire al tuo scopo.
Attenzione: sei pesantemente abbattuto quando tutti gli ingranaggi non funzionano a dovere.
Consiglio: mantieni una posizione di management all’interno del progetto. Sii ben consapevole di motivazioni e skill del tuo team, e usale a dovere.

Tu in quale ti senti di appartenere?
(Ma sopratutto: credi che la gente si divida davvero in queste categorie?)

Edit: ho dimenticato di mettere il link alla notizia originale. RIngrazio 100%Fake per avermelo fatto notare ricordato.

L’articolo originale si può trovare in questo blog: http://www.freelanceswitch.com/

Una fonte d’ispirazione di buon design.

http://www.youtube.com/v/wnZr0wiG1Hg

Dietro ad un prodotto del genere ci sono ore e ore di lavoro, lo studio di ogni lettera, il modo di rappresentarla, la progettazione della struttura in carta, le varie prove e le alternative, un lavorone che ha portato alla realizzazione di un libro unico: ABC3D di Marion Bataille.

L’articolo originale: QUI.

Santa Clara (USA) – Adobe si prepara a traghettare alcuni dei suoi più famosi software nell’era delle piattaforme di calcolo a 64 bit. Una transizione che inizierà con l’imminente Lightroom 2.0, di cui negli scorsi giorni è stata rilasciata una prima beta, e passerà attraverso il futuro Photoshop CS4 per Windows. La prossima versione di Photoshop per Mac OS X resterà invece a 32 bit.

A fare un po’ di luce sulla roadmap di Adobe verso i 64 bit è John Nack, product manager per Photoshop, che sul proprio blog spiega che CS4 a 64 bit supporterà ufficialmente soltanto Windows Vista, sebbene dovrebbe girare – eventualmente con qualche problema minore – anche su Windows XP x64. Per godere dei 64 bit gli utenti di Mac OS X dovranno invece attendere Photoshop CS5.

Il manager di Adobe ha giustificato questa apparente discriminazione con la necessità, per il proprio team di sviluppo, di migrare Photoshop per Mac dalle attuali interfacce di programmazione Carbon a quelle Cocoa. Necessità resa inevitabile, dice Nack, dalla decisione di Apple di abbandonare lo sviluppo di una versione a 64 bit di Carbon per focalizzarsi unicamente sulle API Cocoa, con cui è possibile creare applicazioni a 32 e a 64 bit.

“Alla Worldwide Developers Conference dello scorso giugno Adobe e altri sviluppatori hanno appreso che Apple ha deciso di cessare il progetto Carbon 64″, si legge nel post di Nack. “Questo significa che le applicazioni Mac a 64 bit necessitano di essere riscritte per l’uso di Cocoa al posto di Carbon (che è esattamente ciò che è stato fatto con Lightroom). Ma questo sginifica anche che dovremo riscrivere ampie porzioni di Photoshop e dei suoi plug-in, un’operazione che interessa potenzialmente oltre un milione di linee di codice”.

Questo porting non coinvolgerà dunque soltanto gli sviluppatori di Photoshop, ma anche quelli di plug-in: le versioni a 32 bit di questi ultimi, infatti, non potranno funzionare con Photoshop a 64 bit.

“Nessuno ha mai migrato un’applicazione della dimensione di Photoshop da Carbon a Cocoa”, ha dichiarato Nach, che ha ricordato come persino Apple non abbia ancora rilasciato una versione Cocoa-based del suo famoso software per l’editing video Final Cut Pro.

Se una versione a 64 bit di Photoshop per Mac appare dunque ancora distante, i fotografi evoluti che utilizzano la piattaforma della Mela possono spremere i propri sistemi a 64 bit con Lightroom 2.0 Beta, disponibile sia per Mac OS X 10.5.x che per Windows Vista x64. Le principali caratteristiche di questo software, che nel campo del fotoritocco e della gestione delle foto rivaleggia con Apple Aperture, sono descritte in questo post.

Ma quali benefici concreti porta l’indirizzamento della memoria a 64 bit? Oltre a quello più noto, ossia la possibilità di utilizzare più di 4 GB di memoria RAM, i vantaggi non sono poi così vistosi. Nack ha spiegato che, con quantitativi di memoria standard (2-4 GB), l’incremento di velocità fornito dalla versione a 64 bit di Photoshop è tipicamente compresa fra l’8 e il 12 per cento.

Per notare davvero la differenza occorrono workstation ben equipaggiate e file grafici di grandi dimensioni: su un sistema quad-core con 32 GB di RAM, ad esempio, Photoshop x64 ha aperto un’immagine da 3,75 gigapixel 10 volte più velocemente della controparte a 32 bit. Il merito va attribuito alla capacità dell’applicazione di sfruttare tutta la memoria RAM a disposizione, minimizzando così l’uso della lenta memoria virtuale (che utilizza l’hard disk).

“Il computing a 64 bit è una parte importante della storia futura di Photoshop e Lightroom, ma non è una panacea, e non abbiamo intenzione di rivenderla come tale”, commenta Nack. “Siamo contentissimi di offrire già ora una versione nativa a 64 bit di Lightroom sia per Mac che per Windows, e di fornire una versione a 64 bit di Photoshop per Windows come parte della prossima release. E per quanto riguarda Mac x64, continueremo a lavorare strettamente con Apple (come abbiamo fin qui fatto) per rendere questa transizione il più veloce ed efficiente possibile”.

Sono trascorsi cinque anni dall’introduzione sul mercato delle prime CPU x86 a 64 bit, ma come si è più volte detto in queste pagine, il supporto del software a questa tecnologia è ancora lacunoso, soprattutto quando si parla di applicazioni e driver di periferica utilizzati in ambito consumer e dei piccoli uffici. Persino colossi come Microsoft si trovano ancora nel bel mezzo di questa migrazione: ad oggi BigM ha dato la precedenza ai suoi prodotti aziendali di punta, come Exchange Server, Windows Compute Cluster Server e Hyper-V.

Lo scorso anno un dirigente di Microsoft ha pronosticato che Windows Server 2008 sarà il primo sistema operativo del big di Redmond le cui versioni a 64 bit supereranno, per diffusione, quelle a 32 bit. Una previsione però considerata da più parti troppo ottimistica, persino per un sistema operativo x86 espressamente dedicato alle aziende.

Edit:
La CS4 verrà sviluppata per Win nelle versioni 32/64bit, mentre per Mac esclusivamente nella versione 32bit.

(Questo post fa parte di un decalogo)

I formati standard della carta sono definiti dallo standard ISO 216 che definisce la dimensione dei formati più utilizzati su scala mondiale.

Lo standard ISO 216 definisce tre diverse serie di questi formati, ognuna delle quali parte da una dimensione di partenza generando le altre dimensioni suddividendo quella precedente a metà, sul lato lungo.

In tutti i formati dello standard ISO 216 il rapporto tra lato maggiore e lato minore di ogni formato dà sempre come risultato √2. Accostando quindi due fogli dello stesso formato si ottiene un nuovo formato, di ordine maggiore (se si accostano due A4 si ottiene un foglio A3) i cui rapporti di lato maggiore con il minore sono comunque costanti e sempre uguali a √2.  (Vedi figura)

Le regole dello standard ISO 216 che definiscono la serie A sono le seguenti:

1. Il lato lungo diviso per il lato minore di ogni formato è sempre la radice quadrata di due (1,4142).
2. Il formato A0 misura 1 m².
3. Il formato A1 è il formato A0 tagliato in due parti uguali.
4. La misura dei formati della serie a e arrotondata al millimetro.

Laddove i formati della serie A non sono adeguati alle proprie esigenze si possono utilizzare formati standard della serie B o della serie C.

Le misure del formato standard B sono esattamente la via di mezzo tra i formati A; per esempio il formato B1 è esattamente la via di mezzo tra il formato A1 e formato A0.
Questo significa che i formati dello standard B hanno lo stesso fattore d’ingrandimento dei formati dello standard A.

I formati della serie C sono geometricamente la via di mezzo tra i formati A e i formati B.  Per esempio un foglio formato A4 entra esattamente in un foglio formato C4, che entra sua volta nel formato B4. Similarmente potremmo inserire un foglio A5 in formato C5 e così via.

I formati standard della serie C sono stati sviluppati per realizzare dei contenitori per i formati della serie A. Sono infatti i formati standard delle buste da lettere che si trovano alla posta.

Quando si progetta un file per la stampa bisogna sempre tenere presente che il nostro stampatore utilizzerà una macchina conforme a questi formati, quindi se il nostro scopo è quello di riuscire a stampare il maggior numero possibile di pezzi con il minor numero di “passaggi” bisogna tenere ben presente questi formati:

Quando si vanno a realizzare prodotti cartacei bisogna tenere in considerazione i fattori della produzione fisica del prodotto. La stampa comporta l’inserimento dei crocini di taglio che hanno bisogno di un loro spazio, il taglio ha bisogno di una tolleranza di errore; la gestione dello spazio della superficie della carta ha una importanza fondamentale.

Sviluppare una grafica “fuori formato” comporta uno spreco di carta enorme e un costo di produzione maggiore. Di contro se l’immagine da stampare rimane inscritta nella superficie di un formato standard possiamo sfruttare una maggior superficie utile e un risparmio sui costi di produzione.

Ecco alcune immagini esemplificative dei formati standard delle varie serie.

Formato standard definito dalla ISO 216, serie A

Formato standard definito dalla ISO 216, serie B

Formato standard definito dalla ISO 216, serie C

In breve verranno affrontati i seguenti punti:

1. Formati standard e risparmio della carta
2. Programmi consigliati
3. Margini al vivo, abbondanza e gabbia
4. Utilizzo della griglia
5. Leggibilità del testo
6. Scelta delle font
7. Uso della sovrastampa
8. Risoluzione delle immagini
9. Colori (RGB – CMYK)
10. Formati in cui salvare i file

Questa lista è un decalogo di nozioni che può essere preso in considerazione per imparare a realizzare un buon file per la stampa.

Esistono due modi per sapere se un file è un buon file per la stampa: il metodo “scolastico” e il metodo empirico.

Il metodo “scolastico”

È caratterizzato dalla pedissequa osservanza di questo decalogo, se il file rispetta queste 10 regole basilari è un buon file per essere mandato in stampa.

Il metodo empirico

Per sapere se un file per la stampa è un buon file per la stampa bisogna prepararsi ad una attesa e uno stress esagerati: si scopre di aver realizzato un file non adatto alla stampa solo quando lo mandi in tipografia e il tipografo ti chiama per dirti “che cavolo hai combinato…?!?!?”.

Io preferisco il metodo “scolastico”.

Rosso La catena archetipica del rosso lo associa al fuoco e all’energia.
È il colore dell’energia vitale, stimolante sia fisiologicamente sia psicologicamente. Segnala situazioni di pericolo ed è istintivamente il preferito dai bambini per il proprio carattere di energia e di vitalismo. Attiene a molti riti di passaggio, di iniziazione, basti pensare all’identificazione sangue-vino nell’Eucarestia, è il colore del Natale, del Bambino che nasce e del Capodanno quando si indossa biancheria rossa per annunciare l’anno che inizia.
Per la stimolazione immediata e prepotente che comunica è indicato nella segnalazione di pericolo ma anche per tutto quanto vuole richiamare immediatamente l’attenzione, per ciò che è dinamico o destinato all’infanzia, i giocattoli, il food giocoso.
Per la capacità del rosso di evocare la stimolazione erotica è spesso utilizzato per le confezioni di rossetti, smalti, biancheria intima. Come stimolante dell’appetito appare spesso come colore di aperitivi e cocktails.

Blu La catena archetipica del blu rimanda all’acqua, al mare, all’affetto, all’armonia.
È il colore del sentire i suoi significati rimandano alla sfera affettiva. Blu=acqua=madre. Rimanda a sensazioni gustative di dolcezza (zucchero, cioccolato al latte) e a sensazioni tattili di tenerezza (blu velvet, gatti blu). Le tonalità più fredde vengono usate per sostanze dolci ma rinfrescanti. Il riferimento alla grande madre avvolgente ne fa il colore tipico degli abiti. Molto usato nell’abbigliamento casual, primo fra tutti il jeans, ma anche per le tute da lavoro, alcune divise, le sete e i velluti degli abiti da sera. È blu il mantello della madonna-madre celeste, della fata turchina di Pinocchio, del principe azzurro. È il colore della bandiera ebraica come simbolo del ritorno alla grande madre patria perduta, dell’Europa unita, delle Nazioni unite.

Giallo La catena archetipica del giallo rimanda alla luce, all’infinito, al Sé.
È il colore dell’energia che si sfoga compendiato nell’arancione che indica bisogno di rinnovamento, gioia di vivere (giallo) e illuminazione spirituale (rosso). I primi fiori a sbocciare in primavera sono gialli. Montale scriveva “portami il girasole impazzito di luce”. Luce, sole, fioritura e follia, leggerezza, luminosità, trasparenza; per tutti questi riferimenti il giallo è indicato per prodotti vivaci, solari, insoliti. Non a caso il New beetle fu presentato in giallo come il suo antenato. Contaminato con il verde si associa a sostanze acide, limonata, cedrata, detersivi. La scarsa leggibilità è spesso compensata dall’uso del nero che lo rende di massima incisività, come in alcune automobili molto sportive e in alcune confezioni di sigarette.

Verde La catena archetipica del verde lo associa all’albero, all’Io, alla difesa e alla conservazione.
La percezione di freschezza legata al verde lo rende indicato per tutti i prodotti rinfrescanti (menta e simili) mentre la sua stretta relazione con l’archetipo vegetale ne fa un colore di largo impiego in agricoltura, giardinaggio, prodotti biologici. Per il suo carattere di rigidità difensiva viene ampiamente usato nelle divise, specie abbinato ad altri colori, (la divisa grigio-verde dell’esercito). Nelle tonalità più fredde e bluastre il verde determina una percezione asettica che lo rende indicato nelle sale operatorie, nel rivestimento di apparecchi sanitari e quindi in tutti quei prodotti che fanno dell’asetticità un valore.

Viola La catena archetipica del viola prevede l’associazione con la congiunzione degli opposti e il fascino dell’arcano.
In comunicazione e nelle confezioni dei prodotti è di solito usato con molta parsimonia. Può significare raffinatezza e dunque essere usato come involucro di oggetti preziosi. È più facilmete usato nel settore cosmetico, per saponi e prodotti per la pelle.

Marrone Nella catena archetipica il marrone rimanda alla terra, alla corporeità, alla regressione.
Si usa nell’arredamento, nella pelletteria, per i prodotti naturali e gli oggetti artigianali. Di solito le tonalità più chiare e ambrate del marrone si associano a bevande alcoliche che riscaldano quelle più scure a elisir naturali e digestivi.

Grigio Nella catena archetipica il grigio è nebbia e schermatura.
Il suo carattere di neutralità lo rende usato negli impianti industriali e in tutto quanto deve avere carattere di anonimato. Il carattere difensivo del grigio ne spiega l’uso nelle divise e nell’abbigliamento formale di impiegati e manager. Per lo stesso motivo è il colore prediletto per le automobili.

Nero La catena archetipica del nero rimanda alle tenebre, all’assoluto, alla coazione
È il simbolo dell’inconscio, della negazione della luce e del colore sul piano fisico e della coloritura emotiva sul piano psichico. Si usa per privare gli oggetti delle loro connotazioni emozionali enfatizzando solo il loro aspetto formale. Indica autorità, distacco, prestigio. Non a caso è il colore delle automobili presidenziali e degli abiti da cerimonia.

Bianco La catena archetipica del bianco è luce, assoluto, libertà.
Si usa per le cose che devono essere pulite o purificate, di norma per i detersivi e, ormai con qualche eccezione, per gli elettrodomestici. Indica sterilità, asetticità, è il colore delle bende, dei camici, degli apparati medico-sanitari. È molto impiegato nel settore alimentare per i derivati del latte ma anche per l’alimentazione dell’infanzia.